TITULO : MAS QUE COCHES - Audi presenta el A6 e-tron para luchar contra BMW y Mercedes-Benz ,.
Audi presenta el A6 e-tron para luchar contra BMW y Mercedes-Benz ,.
El modelo eléctrico podrá elegirse con carrocería sedán o familiar, así como con una versión S de altas prestaciones,.
Una de las certezas del mercado de automoción es que la rivalidad entre los tres fabricantes premium alemanes –BMW, Mercedes-Benz y Audi– será perenne. Cuando uno de ellos se abre paso en un segmento nuevo, los otros dos no tardan en seguirle para convencer a los clientes y evitar que domine un nicho.
El caso de los sedanes eléctricos no es excepción. La semana pasada, la marca de los cuatro aros presentó su Audi A6 e-tron, en sus versiones sedán (Sportback) y familiar (Avant). Ambas comparten la plataforma eléctrica modular PPE del Grupo Volkswagen, uno de los grandes desarrollos del consorcio para extender la autonomía de sus modelos.
Según las cifras oficiales del fabricante, el modelo familiar es capaz de recorrer 720 kilómetros con una sola carga de su acumulador de 100 kWh. Admiten una potencia de carga de hasta 270 kW, que es más de lo que está disponible en la mayoría de puntos de carga en España.
Para alcanzar estas cifras, sin embargo, es esencial optimizar la aerodinámica. Desde los cuatro aros afirman que el coeficiente de resistencia es tan solo del 0,21 para el sedán y de 0,24 para la carrocería familiar. Los ingenieros han desarrollado unos conductos para canalizar el aire alrededor del exterior.
Los principales rivales del A6 eléctrico son los BMW i5 y el Mercedes-Benz EQE, cuyos precios parten de los 77.000 y 73.000 euros, respectivamente (el BMW es el lanzamiento más reciente de los dos).
Los precios en Alemania, según Audi, partirán desde los 75.600 euros para el A6 e-tron Sportback Performance –la marca asegura que más adelante llegará una versión con menos autonomía y una batería de 82 kWh–. La versión de altas prestaciones S6 partirá de los 99.500 euros.
Además, el año que viene Audi pretende llevar a cabo un cambio en nomenclatura para su gama y los modelos térmicos pasarán a usar números impares en su denominación. El actual A4 se convertirá en el A5 y el A6 en el A7.
Para los eléctricos que nos ocupan, la potencia en el acabado base estará en 362 caballos, mientras la versión S6 e-tron la incrementará hasta los 496 CV. Esta versión, además, será capaz de alcanzar los 100 km/h en 3,9 segundos.
El diseñador español César Muntada, el máximo responsable de Iluminación en la marca de Ingolstadt, ha hecho que el conductor pueda elegir los patrones de diseño que hay en la zaga. El diseño, más que ser una ruptura con lo visto hasta ahora, se trata de una evolución de las líneas que ha ido presentando el fabricante últimamente.
Los sedanes eléctricos tienen el problema estético de que sus baterías ocupan mucho espacio visual en la base del chasis. Por eso Audi ha decidido camuflarlas con una línea negra que disimule su volumen, una solución similar a la que escogió BMW con su i5.
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Para Todos La 2 - Colegio rural - Estudiantes, profesores y centros educativos en primera línea de batalla ,.
Colegio rural - Estudiantes, profesores y centros educativos en primera línea de batalla,.
Las ataques a la eduación en contexto de guerra han aumentado durante los últimos años según el último informe de Coalición Global para Proteger la Educación de Ataques
A menudo no se valora la oportunidad educativa hasta que se pierde. La educación es un derecho humano fundamental y universal, sin embargo la desigualdad en el acceso es un problema que afecta cada vez a más personas, sobre todo en un contexto de guerra donde los ataques a escuelas y hospitales se encuentran a la orden del día. Se calcula que se produjeron hasta 6.000 ataques contra la educación entre 2022 y 2023.
En la actualidad, existen muchas guerras activas reconocidas a nivel mundial, en concreto 56. Las leyes de la guerra, o derecho internacional humanitario (DIH), son un conjunto de normas internacionales que establecen lo que se puede y no se puede hacer durante un conflicto armado. El principal objetivo del DIH es preservar un poco de humanidad para salvar vidas y aliviar el sufrimiento, permitiendo además, que sea posible volver a convivir cuando termine la guerra. Sin embargo, son numerosas las ocasiones en las que estas normas se vulneran.
Un estudio global de Coalición Mundial para proteger la Educación de los Ataques (GCPEA) ha destacado un aumento de casos y de frecuencia de los ataques a la educación en escuelas, universidades, estudiantes y personal en 2022 y 2023. Desde India hasta Colombia, desde la República Democrática del Congo hasta Palestina, estudiantes y profesores son asesinados, violados y secuestrados, mientras que los centros escolares y universidades son bombardeados, quemados y utilizados con propósitos militares.
«Incluso si me matan, que sea en nombre de la educación»
Mientras que hay niños a los que no les gusta ir al colegio, a otros les encantaría. Sin embargo, sus deseos se ven mermados por la inseguridad. Los más valientes que se arriesgan a ir, se exponen al peligro. Es el caso de una joven de 19 años que decidió acudir a su centro de educación y falleció a causa de una explosión. Tras su muerte, el padre señaló que entendía los riesgos pero la niña decía «incluso si me matan, que sea en nombre de la eduación».
En algunos casos, estudiantes o educadores resultaron heridos o muertos, mientras que en otros, fueron objeto de secuestros o detenciones o sufrieron daños cuando se dirigían al colegio o a la universidad. Hay constancia de que al menos 10.000 personas del sistema educativo murieron, resultaron heridas, fueron secuestradas o sufrieron algún otro tipo de daño.
Los ataques y el uso militar de instalaciones educativas se incrementaron casi un 20% durante el periodo de estudio del informe, en comparación con los dos años anteriores. El mayor número de ataques a la educación registrados se concentraron en Palestina, Ucrania, la República Democrática del Congo y Myanmar. En cada uno de estos países, cientos de escuelas fueron amenazadas, saqueadas, incendiadas, atacadas con artefactos explosivos improvisados o alcanzadas por bombardeos o ataques aéreos. Mientras tanto, en India, Pakistán, Palestina y Afganistán se registraron un elevado número de heridos o muertos.
El informe también describe la situación en dos nuevos países no incluidos en el informe anterior: Egipto y Kirguistán. En el primero se registraron más de diez casos de uso militar de escuelas o universidades; en el segundo, más de 20 centros resultaron dañados o destruidos.
Discriminación de las minorías
La educación es un derecho y no patrimonio de la guerra, o al menos no debería serlo. Los enfrentamientos bélicos impiden el progreso de la educación y agravan las desigualdades. A nivel mundial, las fuerzas y grupos armados no estatales ocuparon cada vez más escuelas y universidades para utilizarlas como bases, cuarteles, puestos de tiro y almacenes de armas, entre otros fines no educativos, superando los 1.000 incidentes, casi el doble que en el último estudio.
Las niñas y mujeres fueron atacadas por su género en al menos diez países, con alumnas y profesoras o sus centros educativos siendo objeto de ataques en un intento de impedir que recibieran educación en determinados contextos, entre ellos Afganistán y Pakistán. Los estudiantes con discapacidades, así como los estudiantes LGBT y los de comunidades indígenas y minorías étnicas, también enfrentaron mayores vulnerabilidades. Vigilados, expulsados.
Durante los periodos de guerra, los estudiantes con discapacidad se ven afectados de forma distinta. Desde la ONU indican que si su discapacidad no les permite huir de los ataques de forma independiente, pueden correr mayor riesgo si son abandonados por falta de personal de apoyo. Explosivos y armas se utilizaron en alrededor de un tercio de todos los ataques denunciados contra la educación en 2022 y 2023. Estos ataques incluyeron bombardeos aéreos, cohetes y artillería, así como el uso de artefactos explosivos improvisados y minas terrestres, en países como Colombia, Myanmar, Palestina, Sudán, Siria, Ucrania y Yemen. De media se calcula que se producen ocho ataques diarios a la educación, motivo por el que algunos padres optan por no enviar a sus hijos a la escuela.
TITULO: Gigantes de La 2 - Elena Benarroch: “Es una gilipollez pensar que si eres rico no puedes ser de izquierdas” ,.- Jueves - 22 - Agosto ,.
Gigantes de La 2 - Programa de entrevistas, de cincuenta minutos de duración y emisión semanal, para La 2 Jueves - 22 - Agosto , 23:50 de Televisión Española.
Elena Benarroch: “Es una gilipollez pensar que si eres rico no puedes ser de izquierdas” ,.
La diseñadora, apodada en su día como “la peletera de la ‘beautiful people”, está escribiendo un libro en el que reúne anécdotas de su vida y su carrera y ha relanzado su fragancia, Yaël, un clásico de la perfumería española,.
foto / Elena Benarroch,.
Elena Benarroch (Tánger, 69 años) vive en un loft amplio y luminoso en el madrileño barrio de Salamanca. En el salón hay un piano de cola y varios sofás de líneas modernas forrados en cuero negro. Pero ella prefiere recibir a sus amigos, una mezcla de políticos y farándula, en la mesa de la cocina. Ahí suele pasar mucho tiempo preparando viejas recetas familiares, platos marroquíes y sefaradíes. Hace 45 años, la diseñadora revolucionó la España posfranquista con sus diseños de vanguardia y sus lujosos abrigos de piel. Lo consiguió todo en la moda, incluso una tienda propia en la avenida Madison de Nueva York. La prensa la coronó como “la peletera de la beautiful people” y el fotógrafo Juan Gatti la definió como “la Pasionaria de la moda”. Ahora lleva unos años retirada y dedica su tiempo a viajar, jugar al bridge, ir al cine y el teatro. También está escribiendo un libro en el que compartirá anécdotas de su vida y su carrera y sus recetas favoritas. Y acaba de relanzar su perfume, Yaël, una esencia de nardo que lleva más de 25 años en el mercado. La fragancia lleva el nombre de su hija, Yaël Barnatán, que sigue su estela y dirige una tienda de moda en el barrio de Malasaña.
Pregunta. Cuando empezó en la moda, las pieles eran sinónimo de lujo. Hoy son objeto de controversia. ¿Qué encaje tiene la peletería en el mundo actual?
Respuesta. Ninguno. Se cargaron esa industria. Mis últimos años en el negocio fueron una lucha insoportable. La prensa no aporta nada a la ignorancia general. Hay unas leyes y normas que rigen este negocio. No se matan animales de manera indiscriminada. No sales con una escopeta y te cargas un oso. Pero eso no es noticia. Noticia es que salga una chica con un cartel que diga “mejor desnuda que con pieles”. Eso me pasó a mí en un desfile en Nueva York. Salí y le dije: “Estás muerta de frío, ¿te quieres abrigar?”. Me respondió: “Ya me gustaría, pero me dan 120 dólares por estar así”. La industria de la protesta también existe, pero eso no es noticia. Es más fácil decir que las pieles son una cosa de ricos y que hay que acabar con los ricos.
P. Hay gente que piensa que no se puede ser rico y de izquierdas.
R. ¿Qué tiene que ver una cosa con la otra? Es una gilipollez pensar que si eres rico no puedes ser de izquierdas. Para mí ser de izquierdas es ser tolerante.
P. En los ochenta la llamaban “la peletera de la beutiful people”. ¿Qué queda de esa beautiful people?
R. Quedan muchos amigos. Pero a mí siempre me ha interesado más la farándula que la beautiful, la cultura más que el brillo.
P. También la definieron como “la anfitriona del poder”. ¿Estar tan cerca del poder le pasó factura?
R. Con Zapatero sí me pasó factura. Felipe González, que es mi amigo, me pidió que ayudara a Sonsoles Espinosa [mujer de Zapatero] cuando llegó a la Moncloa. Y la ayudé. Me consta que muchas clientas dejaron de comprar en mi tienda por eso. Sigue habiendo dos Españas y eso no va a cambiar.
P. En la Movida madrileña, usted podía sentar en la misma mesa a gentes de izquierdas y de derechas. ¿Hoy eso es posible?
R. Sí, yo puedo. Pero no es la gente que aparece en la televisión y los medios. Hace poco estuve en una cena con gente del PP y del PSOE y fue una velada deliciosa. Me hizo recordar las cenas que organizaba en mi cocina. Yo lo que no voy a hacer es juntar a gente por juntar. Jamás juntaría a Sánchez y Feijóo. No me interesan ninguno de los dos.
P. Es amiga de Felipe González y de los Zapatero. ¿Ha intentado juntarlos?
R. No, eso es imposible.
P. ¿Entiende por qué están tan distanciados?
R. Sí, lo entiendo divinamente, pero no te lo voy a explicar.
P. Llegó a tener tienda en Madison Avenue y a comprar la casa de Andy Warhol. ¿Vivió por encima de sus posibilidades?
R. Sí, muchas veces viví por encima de mis posibilidades.
P. ¿Valió la pena?
R. Siempre. ¿Cómo no va a valer la pena?
P. ¿Echa de menos esa vida?
R. No. Cogí un avión de Madrid a Nueva York todas las semanas durante más de una década. Eso ahora no lo puedo hacer, es impensable. Sigo viajando, pero ahora voy a museos y a la ópera. Entre trabajar y pasearme por Salzburgo, prefiero lo segundo. No hay comparación.
P. Isabel Preysler llevó un traje con sus pieles el día de su boda con Miguel Boyer. ¿Le costó guardar el secreto de esa boda?
R. Yo no lo sabía. María Rosa Salvador, dueña de la tienda Dafnis, me llamó y me dijo: “Me tienes que hacer esto”. Era como un 24 de diciembre y la gente del taller estaba de vacaciones. Le dije: “No puedo”. Me respondió “Lo vas a hacer. Si te cuento para quién es…”. Me mandó el patrón y lo hice con Justo, mi cortador, como pudimos.
P. Y la repercusión fue inmensa…
R. Todo lo que llevaba Isabel tenía mucha repercusión. Fue la primera influencer de este país. Nadie la ha superado. Yo tenía clientas que me llamaban y me decían: “Lo que se ponga Isabel esta noche, guárdamelo”.
P. En 2018 tuvo que cerrar la tienda de Madrid. ¿Fue difícil?
R. No fue difícil. Estaba muy harta del rollo ecológico. Era una lucha constante. Terminé hasta el gorro. Era mucho trabajo y todo se fue a la mierda, incluido mi matrimonio [con su socio, Adolfo Barnatán]. Terminamos, separamos todo y vendimos.
P. ¿Qué opina de las firmas de moda rápida?
R. No me interesan nada. Me da igual si la moda es fast o slow. Me parece una pose que va a durar media hora. Yo sigo interesándome por lo bien hecho, por las telas de calidad, por la creatividad del diseño y por el talento de quien lo hace. Me apasiona lo que hace Balenciaga y ya está.
P. Usted es judía sefaradí. ¿Ha percibido un repunte del antisemitismo?
R. Por supuesto. Y es aterrador. A la gente se le ha olvidado el Holocausto y lo que pasó el 7 de octubre de 2023. La gente se ha olvidado que hay 137 rehenes en manos de Hamás. Ya no se habla de Hamás, el grupo terrorista más peligroso del mundo.
P. ¿Qué siente cuando ve las imágenes en Gaza?
R. Siento horror, como en toda guerra. Ambas partes están jodidas. Pero una cosa no quita la otra. No se puede obviar la evidencia. No sé si lo que hace Netanyahu está bien o está mal, pero sí sé una cosa: como no eliminen a Hamás, corre peligro el mundo entero. No solo Israel, el mundo entero.
TITULO: ¡ Atención obras ! - Cine - Herencia del diablo,.
Herencia del diablo,.
foto / Tan admirado cuando el cine de autor era objeto de todo el encomio que merece como infamado en la actualidad por esos sectores de la crítica que no ven en la pantalla más que un entretenimiento, Michelangelo Antonioni (Ferrara, 1912 – Roma, 2007) es uno de los cineastas más importantes de todos los tiempos. De ahí que, a sus detractores —que no son otros que quienes hacen un dogma de la sencillez, esos que babean con el adocenamiento, el artificio y la ramplonería del actual Hollywood— quepa decirles, evocando la célebre sentencia del gran Truffaut: “Los enanos critican a Gulliver”.
Veinticinco años antes de ese apogeo de su gloria —que se prolongó hasta mediados de los años 70, si admitimos que dejó de entusiasmar a la crítica con El reportero (1974)— el maestro de Ferrara se había distanciado de los neorrealistas, la generación a la que pertenecía. Y ahora, que de todo hace tanto tiempo, pocas cosas se ven tan lógicas como aquel alejamiento de Antonioni de los planteamientos de sus compañeros. Al fin y al cabo, siempre fue un esteta interesado por las angustias de las burguesas, que —sin entrar en otras consideraciones— poco tenía que hacer entre los neorrealistas, auténticos paladines de los pobres.
Por eso precisamente, el neorrealismo nunca gustó a la Iglesia —ya estaban ellos para redimir a los menesterosos—, ni a la Italia de la democracia cristiana, que despertaba entonces, y no se complacía, como lo hacía el resto del mundo, con aquella mirada del neorrealismo a las ruinas del país tras el fascismo y la guerra. Incluso el Visconti de La tierra tiembla (1948), obra maestra indiscutible e indiscutida de aquel cine italiano de posguerra, abrazó la militancia comunista pese a ostentar varios títulos nobiliarios. Si señor, el Visconti neorrealista fue tan comunista como lo fueron durante toda su vida Giuseppe de Santis —Arroz amargo (1949)— y varios de aquellos cineastas.
Ahora bien, el buen cine está por encima del fascismo y del comunismo. Todas las ideologías son maquinaciones ignominiosas para el pastoreo de las masas. Las de aquella posguerra que nos ocupa fueron las ruinas que dejó el mayor conflicto armado que la historia registra, provocado, como todos los que conoció el siglo XX, por el enfrentamiento de las dos ideologías que predominaban entonces. Pero la excelencia fílmica —repito una vez más— sí que redime, elevándolo, a cualquier filme del proselitismo de la ideología que sea. Es más, cuando el panfleto —aquellas octavillas que la resistencia antifranquista arrojaba esporádicamente en las calles del Madrid de mi infancia— va más allá de la consigna y encima está bien escrito, deja de ser panfleto. Pasa a ser un libelo y es estudiado y elogiado por la crítica literaria. Así pues, ha de quedar bien entendido que el neorrealismo italiano, pese a su clara inspiración comunista y lo rápido que el gran Michelangelo Antonioni se apartó de él para irse a sus bellas burguesas, fue el mejor cine de la cartelera internacional de la inmediata posguerra. Por ende, también fue uno de los capítulos más arrebatadores de toda la historia del amado siglo XX.
El maestro de Ferrara nació en una familia perteneciente a la burguesía industrial de provincias. Siendo aún estudiante de Economía y Comercio en Bolonia, publica sus primeras críticas cinematográficas en el Corriere padano. Más recordadas fueron sus colaboraciones en la revista Cinema que, dirigida por Vittorio Mussolini —el hijo del Duce—, será la cuna del futuro neorrealismo. Tras una breve experiencia en el Centro Sperimentale di Cinematografía, asiste al rodaje de Visiteurs du soir, del gran Marcel Carné (1942), y colabora con Rossellini en el guión de Un piloto ritorna, también del 42 y dirigida por el propio Rossellini.
Su primer cortometraje, Gente del Po, data de 1943 y es un documental sobre las condiciones de vida de los pescadores y barqueros del río aludido en el título. Puede decirse que ésta es su única aportación al neorrealismo. O todo un precedente de él, ya que Roma ciudad abierta (Roberto Rosellini, 1945), la cinta que inaugura aquella escuela, es posterior. Pese a que su actividad como guionista le lleva a escribir junto a Giuseppe de Santis —Caccia tragica (1947)— y Fellini—El jeque blanco (1952), basada, dicho sea de paso, en un corto de Antonioni titulado L’amorosa menzogna (1949)—, lo cierto es que, quien diez años después de la apoteosis del neorrealismo habría de ser llamado “el cineasta de la incomunicación”, nunca fue un neorrealista propiamente dicho. Bien es verdad que los albores de su carrera están localizados en el mismísimo núcleo que generó dicha escuela. Pero, si Antonioni aplicó en alguna ocasión los presupuestos estéticos del neorrealismo, lo hizo para retratar a la burguesía, lo que ya marca una diferencia respecto a sus compañeros, siempre atentos a los humildes. Salvo Gente del Po, que, en cierto sentido, es un precedente de Arroz amargo.
Su primer largometraje, protagonizado por Lucia Bosè, su primera musa, es una singularísima investigación policial. Versa sobre la muerte de un tipo a quien deseaban asesinar su mujer y el amante de ésta. Crónica de un amor es su título, data de 1950 y ya se detectan en sus secuencias las principales preocupaciones que presidirán la filmografía del maestro —subjetividad femenina, incomunicación, imposibilidad del sentimiento amoroso…—, al igual que se registran varios de los procedimientos habituales a su puesta en escena. Recordemos dos: el escamoteo de datos fundamentales para la comprensión de la trama y el desprecio de las convenciones narrativas.
Tras Crónica de un amor llega La dama sin camelias (1953), donde viene a dar cuenta de la triste experiencia de una actriz —también recreada por Lucia Bosè—, siempre a merced de los demás. Pero Antonioni llama la atención de esas minorías cultas, que habrían de ser su único público, con Las amigas (1955). Basada en el relato de Cesare Pavese Entre mujeres solas (1949), en ella se daba cuenta del hastío de ciertas damas de la sociedad turinesa y del suicidio de una de ellas tras ser abandonada por su amante: “Hago películas aburridas para expresar el aburrimiento”, declararía con posterioridad el maestro para escarnio de sus detractores. Es entonces, con Las amigas, cuando se empieza a hablar de Antonioni como el cineasta de la incomunicación. Su siguiente cinta, El grito (1957) —toda una rareza considerando que su protagonista es un obrero—, ratifica su tremendo pesimismo.
Siendo ya para muchos el Pavese de la pantalla, en la plenitud de su genio, Antonioni inicia la trilogía que le catapultará al parnaso del cine de autor y a ese privilegiado puesto en la historia del cine que ocupa. La aventura (1960), la primera de dichas entregas, viene a dar noticia de un amor que se desmorona porque ella, intelectualmente, es mucho más madura que él. Se trata de una obra maestra indiscutible e indiscutida que marcó el comienzo de la colaboración entre Antonioni y la que sería su gran musa, Monica Vitti. En La noche (1961), segunda entrega del tríptico, un matrimonio hace balance de lo que es su amor y calcula lo que pudo haber sido. Finalmente, en El eclipse (1962) asistimos al nacimiento de una pareja habitada desde su misma concepción por el tedio. Alain Delon y Monica Vitti dan vida a estos nuevos amantes presentados por el maestro.
Si El eclipse supone una reflexión sobre el aburrimiento, El desierto rojo (1964) lo es sobre la angustia. Se trata en ella la historia de una esposa, desequilibrada psíquicamente tras un accidente, que no hallará en la infidelidad conyugal el equilibrio que busca. Decir que es en esta cinta cuando su autor utiliza por primera vez el color no es en modo alguno gratuito. Como ya desde su mismo título se nos sugiere, el color está implicado dramáticamente en su argumento. En efecto, El desierto rojo da pie a que ese sentido de la belleza plástica —a todas luces herencia de sus inquietudes pictóricas—, que se observa en el realizador desde sus primeras películas, alcance el paroxismo.
Decididamente vanguardista, moderno en la primera acepción de la palabra, Antonioni cuenta 55 años cuando emplaza su cámara en el Londres juvenil y pop de 1967. Allí rodará Blow-Up, basada en un relato de Julio Cortázar —Las babas del diablo— y en la vida del fotógrafo David Bailey, una de las cámaras más lúcidas del Swinging London. En esta ocasión, se trata del misterio que esconde una ampliación fotográfica. Ese trasunto de Bailey que encarna David Hemmings en su creación de Thomas, al ampliar su cliché, descubre un asesinato. Esto da pie a que Antonioni y Hemmings lleven a cabo una de las películas más sugerentes, interesantes y personales de los años 60. Las secuencias de Thomas fotografiando a Verushka, una de las grandes musas de la belleza escuálida, son de antología.
Ya inmerso en la cultura juvenil de aquellos años, el maestro de Ferrara cruza el Atlántico para realizar en Estados Unidos Zabriskie Point (1970), un acercamiento a las revueltas de la universidad de Berkeley. Estamos pues en la California que fue el primer foco de la insurgencia juvenil estadounidense de la época. Con música de Pink Floyd y Jerry García, alusiones al LSD y secuencias enigmáticas, localizadas en el fabuloso desierto de Zabriskie Point, en el Valle de la Muerte, la cinta estadounidense de Antonioni acabará convirtiéndose en un clásico de la pantalla contracultural. El maestro de Ferrara había dejado atrás las angustias de sus bellas burguesas para descubrir la contestación de la universidad estadounidense frente a Vietnam —y al mundo adulto en general— en la encrucijada de la historia entre los años 60 y 70.
Tras volver a ese cine documental de los comienzos de su filmografía en China (1973), rueda en España una nueva obra maestra, El reportero (1974). Aquí trata sobre un hombre que decide suplantar la personalidad de otro. Maria Schneider y Jack Nicholson fueron sus protagonistas de entonces.
Incomprendido por los productores como tantos grandes maestros, habrán de pasar varios años antes de que el gran Michelangelo —hasta el nombre lo tenía de genio— consiga rodar para televisión una adaptación de El águila de dos cabezas (1943), de Jean Cocteau. La titula El misterio de Oberwald y su primera emisión data de 1980. En 1982 vuelve a sus inquietudes de antaño con Identificación de una mujer. Pero su tiempo ya ha pasado.
Después de sufrir una larga enfermedad, Michelangelo Antonioni es reivindicado por Wim Wenders, quien produce y codirige con él Más allá de las nubes (1995). Un tributo muy semejante viene a ser el que le rinden Wong Kar-Wai y Steven Soderbergh en Eros (2004). Preguntados por los impulsores de la cinta si querían hacer los dos cortometrajes que integran el filme, para unirlos al de Antonioni —que debió de ser un largo, pero, ya nonagenario, las fuerzas sólo le dieron para un corto— no dudaron en ponerse a ello.
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